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Edward Hopper – Un artiste américain

Au grand Palais à Paris a eu lieu fin 2012 une exposition des œuvres de Edward Hopper. Si un peintre peut être caractérisé d’artiste véritablement américain, Hopper est certainement celui-là.

Par André Girod

Entre les deux guerres, un bouillonnement d’artistes va donner au monde de l’art des œuvres qui traduiront l’évolution rapide d’un monde qui court d’une catastrophe à l’autre. En Allemagne, en Russie, des artistes profondément affectés par les horreurs de la Première guerre mondiale vont se détacher de l’univers des conventions et de l’idéalisme pour s’enfoncer dans les méandres du quotidien et de l’étude approfondie de l’âme humaine. De plus ils vont souvent replacer l’homme dans son authentique cadre, qui n’est pas fait de grandiose, ou d’imaginaire, mais de simplicité et de solitude.

Edward Hopper en fera son pain quotidien et réussira par de simples scènes de rues à représenter un pan de la vie cachée, non médiatisée. Son tableau le plus connu « Nighthawks» est en réalité un assemblage de photographies et une interprétation d’un lieu habituel avec quelques personnages figés dans une attitude de solitude et même de dépression.

Ces «oiseaux de nuit» qui se retrouvent au comptoir d’un café, d’un « Diner » américain, cherchent un semblant de réconfort et de chaleur humaine dans une nuit désespérément vide et noire. La seule source de lumière est cet établissement ouvert jour et nuit qui recueille pour quelques instants de calme et de partage des êtres qui semblent égarés dans les rues par une insomnie chronique. C’est un havre de paix, un abri protégé pour retrouver une image de solidarité et de convivialité.

Edward est né en 1882, dans une famille aisée, à Nyack dans l’état de New York. Comme Grant Wood il montre un talent pour le dessin très jeune. A cinq ans il a déjà un bon coup de crayon. Encouragé par sa mère, Edward va trouver chez ses parents deux êtres sensibles qui lui fourniront tout ce dont il a besoin pour développer son intérêt.

Mais apprendre seul ne suffit pas toujours pour un artiste. Alors soutenu par ses parents, il suivra des cours dans de grands studios et rencontrera de jeunes artistes qui mutuellement s’influenceront.

Mais tout comme pour Wood et bien d’autres, Paris est un creuset artistique qu’il ne peut éviter. Il s’y rendra à plusieurs reprises et sera attiré par les œuvres de Manet et Degas. Cependant, cette vie turbulente que les artistes de tous les pays découvrent à Paris ne lui apparaît pas comme essentielle à la construction de son œuvre. Il veut y échapper selon les formules de Ralph Waldo Emerson sur la vie de solitaire et son absorption par l’environnement. Il s’enfoncera lui aussi sur les chemins tortueux de l’accomplissement et de la découverte intérieure.

EDWARD HOPPER

En chemin il rencontrera la femme qui deviendra son soutien incontestable dans la recherche de son subconscient : ils mèneront une existence indépendantesolitaire, loin des soirées mondaines et loin des honneurs, loin de toute école de pensée.

Hopper prendra conscience que l’art n’est pas ce que décrivent les critiques prêts à imposer leurs idées personnelles mais sans avoir aucun talent pour les transformer en chef-d’œuvres. Pour lui, l’art n’est que la transformation sur un matériau (toile, papier, marbre) de ce que ressent l’artiste au fond de lui-même.

«  It’sn’t the subject that counts but what you feel about it. »
( Ce n’est pas le sujet qui compte mais ce que vous ressentez envers lui)

ou «  Forget about art and paint pictures of what interests you in life »
( Oublie l’art et peint ce qui t’intéresse dans la vie)

Hopper définit avec simplicité et rigueur ce qui peut paraître comme l’une des plus belles formulations de l’ART. Il peint ce qu’il veut et ce qu’il ressent, et non ce qu’on lui demande de produire. Il résistera aussi longtemps que possible aux commandes de particuliers ou de mécènes. S’il le fait au début c’est qu’il doit gagner sa croûte (sans jeu de mots). Son plus grand plaisir a été de vendre sa première toile pour $ 100. Au moins quelqu’un reconnaissait une certaine valeur dans son travail.

Sa participation à de grandes expositions se fera avec hésitation mais après une longue traversée du désert où il tombe dans une certaine dépression, convaincu qu’il ne méritait pas le titre d’artiste, il commence à attirer l’attention des amateurs, soutenu en cela par sa femme et par ses amis.

Finalement, à une exposition privée au Brooklyn Museum en 1924, il vendit toutes ses œuvres. Il avait 42 ans.

Mais son heure de gloire et l’établissement de sa réputation arrivèrent en 1931 quand le «  Whitney Museum of American Art » acheta «  House by the railroad » pour sa collection privée. Puis le «  Metropolitan Museum of Art » à New York acquit 30 tableaux et 13 aquarelles pour être présentés dans sa collection permanente.

L’Amérique venait de reconnaître l’un de ses enfants, l’artiste qui transposait sur toile les moments intenses d’une vie quotidienne dans des lieux fréquentés par des millions d’Américains : les gares, les stations service, les motels, les restaurants, les rues parfois tristes et lugubres.

Des scènes que vivaient les humbles et les classes moyennes tout le long de leur vie. Hopper était devenu celui qui n’avait pas peur de se plonger dans les bas-fonds et de montrer que dans ce décor peu reluisant survivaient des gens qui ne semblaient intéresser personne, surtout pas les artistes attirés plutôt par la féérie des soirées à la mode ou par les grands restaurants où se mêlaient notables et gourgandines, pas toujours de bonne réputation.

Si Grant Wood était retourné dans son Iowa natal pour s’inspirer de paysages bucoliques ou de fermiers austères (American Gothic), Hopper était resté dans son New Yorkinsolite et mystérieux.

On peut ajouter que tous les deux ont été les artistes les plus américains qui soient car ils sont restés cantonnés dans un univers familier jamais encore aussi sublimé que par leurs œuvres.

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